​조형적 생명력과 시대성이 담긴 회화 (Painting imbued with formative vitality and the spirit of the times)

장준석(미술평론가, 한국미술비평연구소장), 2019

​

  이은호는 전통과 문화가 살아 숨 쉬는 고도(古都) 충남 부여의 평범한 가정에서 태어났다. 서예, 사군자 등 시서화를 워낙 좋아하였던 부친의 영향으로 어린 시절부터 먹과 화선지는 매우 자연스러운 상대였으며, 부친으로부터 예술적인 감성을 물려받아 그림에 대한 감수성이 남달랐다. 남다른 미적인 감각을 지니고 예술을 동경하였던 부친은 큰딸 이은호에 대하여 각별한 애정을 쏟았으며, 자신이 못다 한 예술에 대한 꿈을 훗날 이루어내는 훌륭한 예술가로 성장하기를 은근히 기대하였다. 어린 이은호는 이런 아버지의 바람을 거역할 수가 없었고, 아버지의 뜻대로 중학교 3학년 때 화실의 문턱을 넘기 시작하였으며, 예술과 문화를 사랑하는 부친의 기대감과 예리하고 섬세한 조언에 힘입어 작가적인 기질을 더욱 확고히 하게 되었다. 시골 토박이였기에 문화적인 면에서는 직간접적인 수혜의 기회가 부족하였지만 홍익대학교 동양화과에 입학하게 되었다. 중고등학생 때부터 예원, 예고에서 전문적으로 그림을 배워 학교에 들어온 동급생들에 비하면 예술가로서의 첫 시작은 초라하였다. 시골에서 상경한 아직 수줍음이 많은 이은호는 묵묵하게 그림만을 그리는 조용한 학생이었다.

 

  부친은 그의 홍익대학교 입학으로 기대감이 더욱 커져만 갔고 대학원 과정까지 마치기만 하면 큰 화가가 될 것으로 고대하였다. 그러나 이은호는 이런 부친의 기대가 점점 더 마음에 부담으로 다가왔다. 그에 대한 부친의 기대감은 간섭으로, 그리고 숨 막히는 중압감으로 다가왔기 때문에 대학 시절을 많은 부담감으로 보낼 수밖에 없었다.

 

  이은호는 그동안 자신이 그려왔던 여러 작품에 대해 필자에게 많은 시간을 할애해서 매우 꼼꼼하게 설명해주고 이것저것 보여주었으며 솔직담백하게 여러 면에서 이야기를 하였다. 이런 과정에서 필자는 그가 매우 진취적이고 활동적이며 그동안 어려운 환경 속에서도 흔들림 없이 작업을 전개해왔다는 것과 예술가이자 교수로 성장하기까지 많은 고난을 겪었음을 알 수 있었다. 그는 한 가정의 주부이자 엄마로서 자녀를 양육했고, 오랜 세월 동안 대학 시간강사로 생활하면서 한국 미술계의 열악한 현실을 극복하고자 노력했으며, 갓 태어난 아이의 희소병을 완치하기까지 혼신의 노력을 다했고, 자신에게 힘이 되어 주었던 할머니와 사별하는 아픔도 겪었다.

 

  이은호는 불투명한 미래 그리고 부친의 자신에 대한 기대치로 인한 압박감이 먹구름처럼 다가오는 것과 위선적인 기성세대로 인한 중압감과 그 기성세대 속에서 비치는 고독한 자신의 모습을 발견하게 되었다. 이러한 자신의 삶을 위로받고자 자연에 의지하면서 삶의 허무함을 솔직담백하게 표현하였으며, 자신도 모르게 자연을 소재로 하여 자신을 치유하고자 하였다. 아름다운 자연의 이미지를 그림 속으로 끌어와 자신이 인내하기 힘든 여러 일을 작품 속에 토해내면서 위로를 받는 특별한 예술적인 체험을 서슴없이 표출해가게 된다. 자연과 하나가 되는 체험 속에서 예술가로서의 위기와 힘든 여정을 위로받고 치유해 나가는 특별한 조형적인 세계로 몰입해 가게 된 것이다. 작가는 고난의 여정을 작품 속에서 보여주었을 뿐만 아니라 작품 속에서 녹여나가고 해결해나가면서 자신의 영혼을 예술로 불태우게 된다.

​

  영혼에 대한 이러한 치유는 놀랍게도 자신이 그리는 그림 속에서 시작되었다. 대학을 졸업한 후 화가로서의 삶을 펼쳐가면서 맞게 된 온갖 어려움과 예술가적 여정을 그림으로써 치유하는 작가의 심경이 일기처럼 낱낱이 그림으로 형상화되었다. 여기에는 더욱 안정적인 그림을 그리기 위해 대학교수를 꿈꾸면서 적지 않은 세월을 보냄에 따른 인내심, 좌절감, 성취감 등도 담겨 있다. 그의 작품 하나하나가 자신의 삶의 이야기인 것이다. 어떤 그림에서는 작가의 힘든 상황과 모습을 담은 한 여인의 모습이 화면 한 부분에 무표정하게 자리 잡는데, 무표정한 이 여인은 곧 작가의 내면의 모습으로 모성애를 지닌 한 아이의 엄마이자 주부이며 화가이다. 시간이 흐를수록 점점 퇴색해 가는 여자로서의 자신의 모습을 목련 등의 꽃을 통해 은유적으로 조형화하기도 하였다. 이처럼 그의 일련의 그림들에는 철학이 있으며 삶의 이야기가 담겨 있다. 작품은 자연을 소재로 하여 그려놓고 다시 하나하나 지워나가는 듯한 화면의 양태를 보인다. 여기에서 우리는 내면의 고뇌를 하나하나 치유해 나가는 작가 자신의 모습을 발견하게 된다.

 

  1980년대 후반부터 시작된 작품 <가면극이 끝난 후>, <기다림> 등은 자신의 힘든 삶과 여정을 진지하게 거짓 없이 담아낸 수작들이다. 특히 <가면극이 끝난 후>에 그려진 조금은 수줍은 듯한 여성의 모습과 표정은 자신의 20대의 힘든 여정을 잘 담아낸 작품이다. 망설이는 듯하며 조금은 자신감이 없어 보이는 엉거주춤한 젊은 여성과 무표정하고 조금은 망설이는 듯한 표정으로 어두움 속의 가면을 바라보는 여린 소녀 같은 감성적 이미지는 내면으로부터 표출되는 조형적 감흥이 가감 없이 표출된 경우라 할 수 있다. 자신에 대한 부친의 지나친 기대감은 그의 삶을 더욱더 힘들게 하였다. 대학원 조교 시절에 그렸던 <우일(雨日)>은 자신의 힘든 삶의 여정을 폭우 속에서 흔들리는 연약한 우산에 의지해 있는 모습으로 표현한 것이다. <生-섬>이라는 작품은 자신이 처한 상황이 바다 한가운데 있는 보잘것없는 하나의 작은 섬과도 같다고 생각하여 불투명한 자신의 삶에 스스로 희망을 주고자 한 것이다.

 

  이은호는 이 무렵 삶의 일련의 상황들에 진실하게 접근해 갔다. 시대적인 흐름을 곁눈질하기보다는 자신의 내면과 자신의 영혼에서 울리는 울림의 소리에 더 치중하였다. 이 울림은 끊임없는 형상성에 대한 모색과 미적인 근원에 접근하려는 자신과의 치열한 싸움 속에서 이루어진 것으로 매우 정제된 조형적 이미지를 띤다. 이 울림은 타고난 조형적 감각과 자신만의 표현력으로써 작품으로 진지하게 표현되었다. 그러므로 이은호의 작품에는 자신만의 울림이 내재되어 있다. 그 때문에 그림 속에 펼쳐지는 자신의 내면세계에 대한 이야기는 순수하고도 맑은 영혼의 울림으로 다가온다. 이은호는 이처럼 힘든 예술가로서의 길을 한 걸음 한 걸음 걸어가면서 자연스럽게 자신의 작품과 하나가 되기에 이르렀다. 작품과 자신이 하나가 되는 동일화는 매우 흥미롭고 주목되는 부분으로서 이은호의 예술가적인 강단과 끼를 보여주며, 이은호의 작품 세계에 드러나는 독특한 점이다.

 

  이은호의 작품에서 일관되게 유지되고 있는 흐름은 작품의 소재가 자연이라는 것이다. 그리고 자연을 대상으로 한 것 중에서 가장 대표성을 지니는 것은 꽃이다. 작가가 둘째 자녀를 임신하고 바라본 생명의 소중함은 다른 생명으로 다가갈 수 있는 계기가 되었고, 이로써 작가는 자연과 인간이 하나의 자연 구조 안에 있다는 사실을 자각하게 되었다. 이후 작가의 그림에는 자연을 소재로 한 것들이 끊임없이 등장하게 된다. 특히 이름을 알거나 모르는 다양한 꽃들이 자연스럽게 등장한다. 작품 속에 등장해온 여러 가지 꽃들은 예술가로서 아이들의 엄마로서 사회생활을 하는 직업인으로서 힘든 삶을 영위하면서 의지가 되고 버팀목이 되는 중요한 소재로 자리매김하였다. 우리가 보기에 화면 안에서 자연을 대표하는 것은 단지 몇 송이밖에 안 되는 꽃인데도 거기에 작가는 그동안 의지해 왔던 절대적 존재로서의 자연이라는 큰 의미를 부여하였다. 꽃으로 대표되는 자연을 절대적인 존재로 인식하면서 이를 위안으로 삼고 편안한 안식처로 삼았다.

 

  이은호의 작품에 등장하는 일련의 꽃은 단지 몇 송이의 꽃이지만, 비, 바람, 세월, 시간과 공간, 삶 등 일련의 현상과 자연의 이미지가 함축된 대표성을 지닌 존재로서의 꽃이다. 작가는 여기에서 기인한 형상과 공간을 통해 삶과 죽음, 빛과 어둠, 생명의 신비로움, 고뇌와 아픔 등의 진리를 숙고하고 표출하면서 세상사의 본질에 조형적으로 접근하게 된 것이다. 이처럼 다양하고 폭넓으며 규모가 큰 존재로서의 자연이 사색과 관조 속에서 자신의 삶을 투영시킨 하나의 생명성을 지닌 꽃으로 함축되었다는 점은 흥미롭다. 이 몇 송이의 꽃에는 보이지 않는 고뇌와 삶의 여정, 세월, 기쁨과 아픔, 즐거움 등이 집약된 조형적 근성이 잠재되어 있다. 그래서 작가는 꽃들을 예쁘게 그리려고 하지 않았고, 꽃들은 사실적이지도 않다. 자연으로 지칭되는 작가의 꽃들은 기교적인 능력과 표현을 과시하려는 조형성을 지니지도 않았다. 자연과 예술가 자신을 대입시켜 현대인의 허무한 삶, 무상한 세월, 자연 공간 속의 죽음과 고통 등을 꽃에 의해 투영시켜 나가며 조형화시킨 것이다. 꽃이긴 하나 꽃이 아닌 꽃으로서, 세월의 풍파와 향수 및 생과 사, 고통과 번뇌 등 삶의 본질까지 흡수하는 블랙홀과도 같은 치유의 공간이자 세계라고 할 수 있다.

 

  2002년경부터 그려지기 시작한 양귀비꽃에서 알 수 있듯이, 완벽하게 묘사되지 않은 꽃인 듯한, 혹은 묘사된 상태에서 세월의 흔적을 하나하나 지워나간 듯한 조형적인 느낌과 이미지는 생명의 본성 그 자체로부터 비롯된 전아(典雅)하면서도 묵직한 비형(非形)의 형과 색에 의한 것이라 할만하다. 면보다는 선을 중심으로 표현된 양귀비꽃은 우리 주변에서 볼 수 있는 나약한 보통 사람들의 모습과도 같다. 아무리 환경이 힘들어도 이를 극복하기 위하여 치유의 매개로서 그려진 <생-희망> 역시 동일한 선상에서 그려진 것으로 작가가 현실의 복잡한 잡념들을 잊기 위한 차원의 것이다. 이런 부류의 작품 속의 꽃과 자연의 이미지는 마음의 고향을 상실한 현대인에게 생명력을 줄 수 있는 신선한 아침이요, 아침을 맞는 풍욕(風浴)에서의 신선한 바람이라 할만하다.

 

  이처럼 소박하고도 자그마한 양귀비꽃의 이미지를 통해 자신의 힘든 삶의 여정을 담담하면서도 가식 없이 소박하게 그리고자 부단히 노력해 온 작가는 최근에 와서 꽃의 이미지를 하나하나 해체해 나가듯 시처럼 부드럽게 승화시키고자 한다. 시는 소설보다 훨씬 적은 분량이지만, 많은 것을 함축하며 상징하고, 내재적인 힘과 밀도를 지닌다. 실재로 양귀비 꽃을 소재로 한 <생-희망>은 현실이 고통스럽고 힘들다고 느낄 때 작가가 평소 마음에 두었던 시나 기도문 같은 것을 혼자 중얼거리듯 무의식적으로 토해낸 흔적이라 할 수 있다. 여기에는 작가의 내면에서 표출된 성정(性情)의 에너지가 함께하고 있다. 암울한 현실에서 바라보는 것을 이루고 싶은 희망이 내재된 자아실현의 꿈은 이 에너지에 의한 꿈틀거림이라 할 수 있는데, 이것은 곧 작가적 역량에서 비롯된 초자아적인 이미지라 생각된다. 이처럼 자연이나 꽃과 하나가 되어 자신의 내면을 스스럼없이 드러내는 조형미에는 꿈과 삶의 이야기가 형상화되어 있다. 은은하게 드러나는 선과 평담(平淡)스런 색, 그리고 온유한 꽃의 이미지는 휴머니즘적인 온기와 꿈을 소박하게 담아낸다. 작가는 이처럼 자연의 훈풍처럼 부드럽고 온유한 자연성과 휴머니즘적인 속성들을 표현하기 위해 꽃의 이미지를 새롭게 변용시키면서도 예술적으로 표출·승화시키는 작업을 사색 가운데 꾸준히 진행하고 있다. 더 나아가 진지한 예술가적 삶의 비망록은 동시대인의 삶의 이야기로까지 승화하고 있다.

 

  이은호의 초창기 때부터 최근까지의 일련의 채색화는 일맥상통한 부분을 지니면서도 매우 정적이고 진지하다. 이 진지함은 형상성에 있어서의 진지함이자 자신의 삶에 대한 진지함이다. 이는 작가의 예술가로서의 견고한 기질과 대기만성형의 예술성에 의한 것이라 생각된다. 무상한 삶을 관조하듯이 무표정하면서도 담담하게 자신의 내면을 표출시킨 진지함은 청년 시절의 작업에서 최근 작업까지 큰 흐름에서 볼 때 동일 선상에 있다. 그리고 한국성과 페미니즘적·후기모더니즘적인 특성들이 잠재되어 있다.

 

  그런데 작가의 작품은 동서양의 범주가 중요하지 않고 모든 게 자연과 삶의 구조 안에서 순환한다는 다양성을 인정하면서 세부적으로는 크게 변화한다. 특히 2010년에 들어서면서 <생-순환>으로 시작되는 일련의 작품들은 새로운 전환기를 맞게 된다. 꽃이나 자아를 담은 여인의 모습을 주로 다루었던 이전의 그림들과는 달리, 자전거, 비행기, 건물, 숟가락, 포크, 배, 의자, 시계, 하이힐, 석탑, 펭귄, 물고기, 주전자 그리고 세계 각국에서 볼 수 있는 여러 환경과 이국적 분위기의 도시 건물들과 연인들이 화면에 등장하게 된다. 높음과 낮음, 우월함과 초라함, 부유함과 가난함 등 모든 것을 털어버리는 순환의 세계를 직시하면서 인간과 자연의 유한성을 탈피하며 얻은 정신적 자유로움은 쉴러의 정신적 유희를 연상시킨다. <생-순환>은 이러한 자신의 의식 세계를 조형화한 것으로 매우 감각적이기도 하지만 이지적인 양면성을 지닌다. 이 양면성은 곧 영혼과 정신적 자유로움에서 기인한 것으로 탈정전화(脫正典化)이자 장자(莊子)의 소요유(逍遙遊)와 같다고 간주된다. 이는 자연의 생성과 소멸의 순환으로부터 비롯된 것으로 작가는 이러한 심경을 다음과 같이 기술한다.

 

“‘인간은 자연의 일부’라는 동양적 자연관을 바탕으로 하고 있으며 인간의 이미지는 해체되고 자연과 인공물들과 재조합되어 상징화된 기호를 구성하는 하나의 부속물로 자리한다. 이때 인간은 자연을 지배하는 주체가 아닌 자연물의 하나로서의 위치에 있으며 순환의 원리 속에 존재하다가 자신과 닮은 대상을 남기고 소멸해가는 개체이다. 자연의 순환 과정 속에 인간은 놓여있으며 현재의 삶은 시간의 유한성과 공간의 한정성에 놓여있으나 의식은 시간과 공간에서 자유로울 수 있음을 의미한다.”<작가노트. 2016>

 

  이처럼 이은호의 채색화에는 내면에서 꿈틀거리는 비밀스러운 이야기들이 가감 없이 담겨 있는데, 이 이야기들은 밀도 있는 조형성을 담보로 하고 있으며 자신의 정체성과 자존이 자연이라는 거대한 에너지 속에서 펼쳐진 듯하다. 시공간과 대상, 자신의 삶에 있어서 조응력이 뛰어난 그림들이 일관된 흐름을 가지고 오랜 세월 동안 펼쳐지고 있는 것이다. 특히 2010년 무렵부터 보이는 작품에서는 마치 속을 다 보여주듯 담아(淡雅)해진 모습을 볼 수 있으며, 추상적 이미지들이 생성과 환원 그리고 확산을 하듯 순환하고 있다. 무엇을 만들고 쌓으려는 것과 무엇을 버리고 허물려는 것 같은 허실의 순환이 거듭 반복되고 있다. 기호와 추상의 증식이 이루어지기도 하고, 무의식의 세계로 회귀하는 은유적 시상이 밤하늘의 별처럼 흐르기도 한다. 최근 우리 사회에서 가끔씩 볼 수 있는 천장, 기둥, 벽체가 훤히 들여다보이는 해체적·노출형 후기모던적인 건축물처럼 말이다. 덜 지어진 것 같지만 더 아름답고 더 완벽한 포스트모던적인 건축물처럼, 작가의 최근의 그림들은 현대성을 농축하고 있으며, 시처럼 잔잔한 여운을 느끼게 하고, 아름답기 그지없다. 오늘도 작가의 작업실에서는 이 비밀스러운 해체가 은유적인 아름다움과 더불어 꿈처럼 빛나고 있다.

 

  꿈 많은 예술가인 이은호의 조형성과 형상성은 현재진행형임이 분명하다. 물을 채워야 하는 그릇이 클수록 더 많은 시간이 걸리듯이 작가의 예술적 조형은 쉼 없다. 평자는 이런 부분에서 개인적으로 주목되었다. 그리고 합리적으로 삶을 살피고 자신에게 용기와 힘을 불어넣을 수 있는 에너지가 있는 보기 드문 작가이다. 자신의 빛이 바래갈 즈음에 어느 순간 다시 생성되는 조형적 생명력의 소유자이다. 이것은 인간과 자연의 조화이자 창조주와 생명의 결합이라고 할 수 있다. 작가는 작업 노트에서 “자연의 순수함을 갈망하고 거기서 무한한 에너지를 얻고, 감동을 하고 끊임없는 대화를 통해 자연과 소통한다.”라고 말한다. 이는 내면에 축적되어 왔던 자연과 결부된 휴머니즘적인 감성이 차츰 더욱 열정적으로 변하면서 신선하고도 인간적인 조형성이 자연, 꽃과 함께 성공적으로 구축된 경우라 할 수 있다. 자연과 혼연일체가 되어 소통하면서 그 속에서 많은 것을 생각해보며, 인생의 여행자로서 담담함을 체험하면서 현대문명 속의 고독한 삶과 희로애락 등을 꽃 등을 통하여 표현하고자 한 것이다. 그의 삶에서 비롯된 현대성을 담은 이미지와 시대성이 내재된 표현성은 작가의 의도와는 무관하게, 동시대를 사는 많은 사람들과 공감대를 형성하며 인간적인 진실성을 공유하게 되는 것이다.

​

​​​

Jang Jun-seok (Art Critic, Director of the Korean Institute of Art Criticism), 2019

​

Lee Eun-ho was born into an ordinary family in Buyeo, Chungcheongnam-do, an ancient city where tradition and culture are alive. Influenced by her father, who had a deep love for poetry, calligraphy, and the Four Gentlemen paintings, ink and rice paper were a natural presence in her childhood. She inherited her father's artistic sensitivity, giving her an exceptional perception of painting. Her father, who possessed a keen aesthetic sense and admired art, poured special affection into his eldest daughter, Lee Eun-ho, secretly hoping that she would realize the artistic dreams he could not achieve himself. The young Lee Eun-ho could not go against her father's wishes, and in her third year of middle school, she stepped into an art studio for the first time. Encouraged by her father's passionate support and sharp, delicate guidance, she further solidified her artistic nature. Growing up in the countryside, she had limited direct and indirect opportunities to benefit from cultural experiences. However, she managed to enroll in Hongik University’s Department of Oriental Painting. Compared to her classmates, who had attended specialized art middle and high schools, her start as an artist was quite modest. A shy girl from the countryside who had just moved to the city, Lee Eun-ho was a quiet student who devoted herself to painting in silence.

​​

Her father’s expectations grew even greater upon her admission to Hongik University, and he eagerly anticipated that she would become a great artist once she completed her graduate studies. However, these expectations gradually became a heavy burden on Lee Eun-ho. What started as her father’s hopes eventually turned into interference, and then into suffocating pressure, causing her to spend her university years weighed down by overwhelming expectations.

​

Lee Eun-ho took a great deal of time to meticulously explain her various works to me, showing them one by one and speaking candidly about different aspects of her life. Through this process, I came to understand that she was highly driven and active, and despite facing difficult circumstances, she remained steadfast in her artistic journey. I also learned about the many hardships she endured on her path to becoming both an artist and a professor. She raised her children while managing the responsibilities of a household, worked as an adjunct professor for many years to sustain herself, and struggled to overcome the harsh realities of the Korean art world. She also dedicated herself to curing her newborn child's rare disease and endured the sorrow of losing the grandmother who had been her pillar of support.

​

Amid an uncertain future and the burden of her father’s expectations pressing down like dark clouds, Lee Eun-ho found herself suffocating under the weight of the established generation’s hypocrisy. In this struggle, she discovered a lonely version of herself reflected in society. Seeking solace in nature, she began expressing the emptiness of life with raw honesty. Without even realizing it, she turned to nature as a subject, using it to heal herself. She incorporated beautiful images of nature into her paintings, pouring her personal struggles into her artwork, and found comfort through this special artistic experience. By immersing herself in nature, she found a unique creative world where she could cope with and heal from the crises and hardships of her artistic journey. Her work not only depicted the difficulties of her life but also served as a means to process, resolve, and transcend them, burning her soul into her art.

​

Remarkably, this healing process began within the very paintings she created. As she pursued her life as an artist after graduating from university, she used painting as a means to heal from the challenges and struggles she encountered. Her emotions and experiences were documented in her artworks like a visual diary. These pieces also contained the patience, frustration, and sense of accomplishment that came with her long journey toward securing a stable career as a university professor. Each of her works tells the story of her life.

In some paintings, she depicts herself in difficult situations through the image of a woman standing expressionless in the corner of the canvas. This emotionless figure symbolizes her inner self—a mother with maternal love, a housewife, and an artist. Over time, she expressed her fading identity as a woman through metaphors, such as magnolia flowers. Her body of work is infused with philosophical depth and personal narratives. Some of her paintings appear as if they are being erased layer by layer, reflecting her process of healing from internal struggles. Through these pieces, we witness her journey of self-reconciliation and renewal.

​

Notable works from the late 1980s, such as After the Masked Play and Waiting, sincerely and truthfully depict the hardships of her life and artistic journey. In particular, After the Masked Play portrays a slightly shy young woman, capturing the difficulties of her twenties. The hesitant, somewhat unconfident young woman and the expressionless girl gazing at a mask in the darkness embody an emotional, introspective image, openly expressing a deeply personal artistic resonance.

Her father’s excessive expectations only made her life more difficult. During her time as a graduate school assistant, she painted Rainy Day, which illustrates her struggles through the image of a frail umbrella trembling in a storm. The painting Life—Island conveys her feeling of isolation, as if she were a small, insignificant island adrift in the vast sea, reflecting her desire to find hope amid an uncertain future.

​​

  Around this time, Lee Eun-ho began to sincerely confront a series of circumstances in her life. Rather than glancing at the flow of the times, she focused more on the resonance that echoed within her inner self and soul. This resonance emerged from her relentless search for form and her intense struggle to approach the roots of aesthetics, resulting in a highly refined sculptural image. It was expressed sincerely in her works through her innate sense of form and unique expressive power. Therefore, Lee Eun-ho's works contain a resonance that is uniquely hers, and the stories of her inner world, which unfold within her paintings, reach us as the echoes of a pure and clear soul. Step by step, as she walked the challenging path of an artist, she naturally became one with her works. This "identification" between the artist and her work is a highly interesting and noteworthy aspect, showcasing Lee Eun-ho’s artistic determination and talent, and marking a distinctive feature of her artistic world.

 

  A consistent theme that runs through Lee Eun-ho's works is her use of "nature" as a subject. Among the elements of nature, the most symbolic presence in her works is "flowers." When she became pregnant with her second child and experienced the preciousness of life, it became a turning point that allowed her to connect with other forms of life. Through this realization, she became aware that humans and nature exist within a single natural structure. Since then, her works have consistently featured nature as a subject. Various flowers, whether familiar or unfamiliar, naturally appear in her paintings. The many flowers depicted in her works became an important motif, serving as a source of strength and a refuge for her while she endured the hardships of life as an artist, a mother, and a working professional in society. Although viewers may see only a few flowers within her canvases, Lee Eun-ho imbued them with a profound significance—as the absolute existence of nature, which she had long relied upon. By recognizing nature, represented by flowers, as an absolute presence, she found solace and a place of peace.

​

The series of flowers in Lee Eun-ho's works are not merely a few blossoms; they embody condensed representations of natural phenomena and images such as rain, wind, time, space, and life itself. Through the forms and spaces derived from these flowers, she contemplated and expressed profound truths about life and death, light and darkness, the mysteries of life, anguish, and pain, thereby approaching the essence of the world in a sculptural manner. It is fascinating how the vast and expansive existence of nature was condensed into a single, living entity—a flower—reflecting her own life through contemplation and introspection. Within just a few flowers, there lies a sculptural essence imbued with unseen struggles, life’s journey, the passage of time, joy and sorrow, and delight. This is why she did not seek to paint flowers beautifully, nor did she make them realistic. The flowers in her works, representing nature, do not exhibit sculpturality aimed at showcasing technical skills or expression. Instead, by equating nature with herself as an artist, she projected the emptiness of modern life, the fleeting passage of time, and the death and suffering found within natural spaces onto the flowers, transforming them into sculptural expressions. They are flowers, yet not flowers—like black holes absorbing the essence of life, including the passage of time, nostalgia, birth and death, pain, and anguish. They become a space and a world of healing.

​

 The "Poppy" series, which began to be painted around 2002, exemplifies this approach. The flowers seem as if they are not fully depicted, or as if the traces of time have been gradually erased from their forms. This sculptural impression and imagery stem from the very nature of life itself, exuding an elegance while also possessing a profound, weighty "formlessness" through shape and color. The poppies, expressed with a focus on lines rather than surfaces, resemble the fragile and ordinary people we see around us. No matter how harsh the environment, the work <Life–Hope>, drawn as a medium of healing to overcome difficulties, was also created from the same perspective. The flowers and natural imagery in such works serve as a fresh morning breeze—a wind bath—that breathes life into modern people who have lost their spiritual homeland.

​

In this way, the artist, who has tirelessly endeavored to depict their arduous life journey with sincerity and simplicity through the image of the modest and small poppy flower, has recently begun to deconstruct the flower’s image one by one, seeking to elevate it softly, like poetry. Poetry, despite being much more concise than a novel, encapsulates and symbolizes a great deal, possessing intrinsic power and density. In fact, Life—Hope, which takes the poppy flower as its subject, can be seen as the artist unconsciously reciting fragments of poetry or prayers they had long kept in their heart, muttering them to themselves in times of pain and hardship. This piece contains the energy of emotions emerging from the artist’s inner self. The dream of self-realization, imbued with the hope of achieving something in the midst of a bleak reality, manifests as a tremor driven by this energy, which can be regarded as a superego-like image born from the artist’s creative capacity. In this way, the formative beauty that naturally integrates with nature and flowers, openly revealing the artist’s inner world, embodies the stories of dreams and life. The softly emerging lines, the tranquil colors, and the gentle floral imagery subtly convey a sense of human warmth and a simple dream. To express such gentle, warm naturalism and humanistic attributes—like the soft breeze of nature—the artist persistently contemplates and transforms floral imagery in a way that artistically expresses and elevates it. Furthermore, the memoir of the artist’s sincere life as a creator ultimately transcends into the stories of contemporaries.

 

  From the early period to recent years, Lee Eun-ho’s series of color paintings maintain a consistent theme while exuding a remarkably still and sincere atmosphere. This sincerity is not only a sincerity in form but also a sincerity toward their own life. It reflects the artist’s firm disposition as a creator and their artistic maturity, achieved over time. Their seriousness, which conveys an unchanging observation of impermanent life—seemingly expressionless yet calmly revealing their inner self—can be traced from youthful works to recent ones as part of the same overarching trajectory. Embedded within these works are elements of Korean identity, feminism, and postmodernist characteristics.

 

  However, the significance of the artist’s works does not lie in the categorization of East and West but rather in acknowledging the diversity of a world where everything circulates within the structure of nature and life, while also undergoing significant transformations in detail. Notably, since 2010, the Life—Circulation series has marked a major turning point. Unlike earlier works that primarily depicted flowers or women as reflections of the self, these newer works introduce bicycles, airplanes, buildings, spoons, forks, ships, chairs, clocks, high heels, stone pagodas, penguins, fish, kettles, and various urban landscapes from around the world imbued with exotic atmospheres, along with depictions of lovers. By confronting a world of circulation that discards hierarchies of high and low, superiority and inferiority, wealth and poverty, the artist transcends the finiteness of humanity and nature, attaining a sense of spiritual freedom reminiscent of Friedrich Schiller’s concept of aesthetic play. Life—Circulation visualizes this realm of consciousness, possessing both highly sensuous and intellectual duality. This duality, rooted in the soul and spiritual freedom, can be seen as a form of de-canonization, akin to Zhuangzi’s philosophy of carefree wandering (Xiaoyao You). Born from the cycle of nature’s creation and dissolution, the artist articulates this sentiment as follows:

 

"Based on the Eastern philosophy that ‘human beings are part of nature,’ human imagery is deconstructed and reconstructed alongside natural and artificial elements, forming symbolic signs as a component within a larger whole. Here, humans do not occupy a dominant position over nature but rather exist as one among many natural entities, residing within the principle of circulation. As finite beings, they leave behind reflections of themselves before eventually vanishing. While human existence is bound by the finiteness of time and the limitations of space, human consciousness has the potential to be free from both." (Artist’s Note, 2016)

​

  In this way, Lee Eun-ho’s colored paintings are imbued with secretive stories that stir from within, laid bare without omission. These stories are accompanied by a dense sense of plasticity, as if the artist’s identity and self-respect are unfolding within the vast energy of nature. The works, which excel in their responsiveness to space, objects, and the artist’s own life, have been unfolding over many years with a consistent flow. Particularly in works from around 2010, a refined expression can be seen, as if the artist is revealing their innermost self entirely. Abstract images circulate in a cycle of generation, reduction, and expansion. There is a repeated interplay of building and accumulating versus discarding and dismantling, forming a continuous “circulation of emptiness and substance.” Symbols and abstractions proliferate, and metaphorical poetic imagery flows like stars in the night sky, returning to the unconscious world. This is reminiscent of the deconstructive and exposed-style postmodern architecture that has occasionally appeared in recent society, where ceilings, pillars, and walls are laid bare. Like an unfinished yet more beautiful and perfect postmodern structure, the artist’s recent works condense modernity, leaving behind a quiet, poetic resonance that is infinitely beautiful. Even today, in the artist’s studio, this secretive deconstruction shines like a dream, accompanied by metaphorical beauty.

​

  It is clear that Lee Eun-ho, a dream-filled artist, continues to evolve in their plasticity and figurative expression. Just as a larger vessel takes more time to be filled with water, the artist’s artistic formation is ceaseless. This is the aspect that personally caught my attention. The artist is an exceptional individual who rationally observes life and possesses an energy that instills courage and strength in themselves. When their light begins to fade, they possess a unique formative vitality that allows them to be reborn at a certain moment. This can be seen as the harmony between humanity and nature, as well as the union of the creator and life itself. The artist states in their notes, "I yearn for the purity of nature, derive infinite energy from it, feel deeply moved, and engage in constant dialogue with it." This illustrates how their accumulated, humanistic sensibility—closely tied to nature—gradually transforms into a more passionate force, successfully forming a fresh and deeply human plasticity in harmony with nature and flowers. While blending seamlessly with nature and communicating with it, the artist contemplates many aspects of life, experiencing a serene state as a traveler through existence. They seek to express the solitude of life within modern civilization, as well as the joys and sorrows of human existence, through flowers and other subjects. The modern sensibilities born from the artist’s life, along with the era-specific expressive elements embedded in their work, resonate with many people of their time, unconsciously forming a shared sense of human truth.

​